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Highscores E venne il giorno James Newton Howard (Varèse Sarabande/Audioglobe) Repetita iuvant. Lo sanno bene M. Night Shyamalan e James Newton Howard, che dal 1999, con il Sesto senso, sono tornati negli anni ad una mirabile collaborazione artistica, replicando di volta in volta un inusuale e distintivo approccio al racconto per immagini: sincresi larga, massimo rispetto per l’integrazione del segno musicale alla traguardazione significante del testo filmico, rinnovata dignità alle retoriche dello scoring descrittivo. Raggiungendo solitamente livelli prossimi, se non allineati, all’eccellenza. E lo sa bene soprattutto Howard, come dimostra in questo commento per l’infelice the Happening, reiterando un’attenzione compositiva e una padronanza sintattica ancora sublimi, anziché cedere alle debolezze di una sceneggiatura maldestra - pur evitando protagonistiche sproporzioni narrative. Lavora nuovamente sull’espressività strumentale il compositore che dal connubio con il regista indiano ha ricavato buona parte dei suoi migliori lavori nell’industria, indirizzando stavolta il suo lirismo al violoncello della solista Maya Beiser. Lo score prende le mosse da un’impalcatura misteriosa di stampo "Ai confini della realtà", su cui trovano poi spazio gli stilemi significativi della partnership: impianti coloristici, dilatazioni orchestrali, un pathos melodico in continuità con il precedente Lady in the water e soprattutto una propensione alla circolarità sempre evidente nelle parti pianistiche. Elegante, preciso e mai pressappochista nella scrittura, Howard persegue più che mai la lezione williamsiana di bellezza espositiva, ma non è completamente immune alle falle risolutive del film. La partitura sovente finisce svilita anche nelle composizioni di maggior rilievo drammatico (“Be With You”) a cui l’album Varèse restituisce giusta rilevanza. Ribadendo peraltro l’importanza della collaborazione nell’attuale firmamento delle coppie regista / compositore, nonostante l’evidente incompletezza di quest’ultimo cimento. Massacro al grande Canyon Gianni Ferrio (GDM) Molto più che a numerosi degli instancabili musicatori del western all’italiana adoperatisi, nelle stagioni d’oro del genere, in un fittissimo lavoro di personalizzazione del filone - dagli epigoni morriconiani più devoti agli occasionali emuli di un linguaggio decisamente archetipico - è al lavoro di Gianni Ferrio che spetta un’attenzione troppe volte venuta meno, anche a causa di un’esposizione minore rispetto a molti colleghi del sound spaghetti. Non foss’altro perché, in primo luogo, è proprio dalle convenzioni stringenti di questo sound autoctono che il compositore ha saputo affrancarsi con elasticità. Ferrio agisce in consonanza con le aspettative fruitive ma lascia aperti vividi squarci al vocabolario musicale originario, poi stilizzato e finanche rovesciato dalla scuola italiana: il classicismo americano di frontiera. Il commento di Massacro al grande Canyon (1964), recuperato dalla GDM e integrato di 12 tracce inedite rispetto alle altrettante presenti nell’originario vinile CAM, vale per molti. L’apertura di “Cow Boy” è esemplare: una tradizionale cavatina per chitarra (che potrebbe appartenere tanto a Steiner quanto a Tiomkin) anticipa uno svolgimento per archi dalla melodia già di per sé inedita rispetto al virilismo degli spartiti originati nel medesimo contesto. L’innesto scalpitante del galop per la ballata intonata da Road Dana sanziona poi la definitiva derivazione hollywoodiana - in seguito ribadita in “Wess” e “Giustizia è fatta”. Ed evidenti sono da subito anche la portata dell’orchestrazione, l’imbastitura tematica e la puntualità descrittiva (preferita alla composizione a “metraggio” tanto frequente all’epoca), che avrebbero trovato massima statura nell’imprescindibile Tex e il signore degli abissi. On Screen  Del Toro abbandona Beltrami
e sceglie per Hellboy II (Varèse Sarabande/Audioglobe)
l’habitué del genere Danny Elfman, invero invocato sporadicamente
anche nel primo spartito. L’outsider dello scoring moderno (in
piena omologazione allo standard postmoderno con the
Kingdom e Wanted), dal canto suo,
non sembra fare altro: ricicla se stesso, concedendosi in uno sterile
rispolvero della sua cifra barocca e carnevalesca. Plasma ambientazioni
a là Cabal e reitera scenari armonici
degni del miglior operato burtoniano, senza lesinare in quanto a melodismo
“elfmaniano”. Ma l’autoemulazione, soprattutto se abbandonata
al puro mestiere, paga poco sulle immagini e molto meno all’ascolto
disgiunto: c’è la forma ma non il contenuto. E soprattutto
l’anima sagace di una personalità attualmente in vacanza
dal vigore narrativo di un tempo. Tipica
duttilità firmata John Powell. Per un film incostante, volubile
e in bilico tra vecchio e nuovo come Hancock (Varèse),
il compositore di The Italian Job
conferma la sua capacità di armonizzare tradizione e innovazione
cinemusicale, smalto sinfonico e idioma contemporaneo. L’eroe suo
malgrado Will Smith imperversa su tappeti d’organo jazz fusion,
riff blues e ritmici schioccar di dita. Quando spicca il volo l’orchestra
lo asseconda in perfetta modalità da supereroe, come insegna
la scuola anni ’80 (che Powell ha già avuto modo di sviscerare
in X-Men 3 - Conflitto finale), ma
senza venir meno ai tratti connotativi di uno degli autori più
influenti del nuovo millennio: archi funambolici e assalti percussivi
variegati. Plauso, ancora una volta, alla capacità di svecchiare
nel massimo rispetto del passato.
Di fronte ad una replica quasi perfetta del primo commento proposto
per Batman begins, in evidente
rottura con lo standard dello scoring fumettistico (ad iniziare dalla
voluta mancanza di un tema eroico a tutto tondo), il ritorno della coppia
Hans Zimmer-James Newton Howard in il
Cavaliere oscuro (the Dark knight, Warner) calamita tutta l’attenzione
sull’interazione / conflitto della musica con la colonna rumori.
Con il suo andamento ondivago e fluttuante, reiterativo ed ossessivo,
crescente e catartico, il lavoro del duo è una forma d’onda
continua che sovente raggiunge i limiti di saturazione dell’impianto
sonoro, sviluppando un addensamento sonico con picchi prossimi al muro
del suono in quel tema “punk” (così lo ha definito
lo stesso Zimmer) profuso per il Joker (“Why So Serious?”),
dove il già labile ed ambiguo confine tra i due livelli auditivi
s’infrange in una zona di indeterminatezza semantica. Senz’altro,
uno score inscindibile dal film. Off Screen  La
Beat Records inaugura una nuova collana (Limited Edition Series) con
un connubio senz’altro inedito e accattivante: Gianfranco Plenizio
ed Enrico Pieranunzi, che nel 1976 per Liberi, armati, pericolosi
di Romolo Guerrieri unirono gli sforzi in un commento a quattro mani
in piena osservanza degli italici canoni polizieschi. Le scorribande
criminose di un terzetto di giovani rapinatori si contornano di una
giusta controparte musicale fusion, dove gli interventi solistici del
pianista jazz si integrano con eleganza al mestiere compostivo del famoso
direttore d’orchestra cinematografico. Ottoni melodici, armoniche
a bocca, chitarre acustiche e flauti dalle digressioni soul-funk, che
interrompono saltuariamente l’atmosfera generalmente solare dello
score ritmico, ribadiscono l’influenza di Schifrin sul filone -
anche oltreoceano. L’enhanced cd confezionato in digipack
include, oltre ad un booklet formato poster, un’intervista
video a Plenizio realizzata da Daniele De Gemini, notevole per la lucidità
di sguardo del musicista sul settore e la chiarezza espositiva (extra
non comune cui si rimprovera esclusivamente l’estrema compressione
video).
La seconda emissione della Beat per la nuova collana presenta un’ulteriore
esempio di scoring urbano anni ’70, stavolta vergato da Carlo Rustichelli
per Milano rovente di Umberto Lenzi (1973). Ma se l’iniziale
“From Sicily to Milan” apre efficacemente alle suggestioni
del polar francese (nel cast un’allora gettonatissimo Philippe
Leroy) piuttosto che alle ritmiche jazz americane del precedente connubio,
la successiva “Dramatic Discover” segna anche la connotazione
maggiormente discorsiva della partitura. Connotazione utile al Maestro
carpigiano per una ripresa dell’amato colore locale, attraverso
un canto siculo già adottato vent’anni prima per Il
cammino della speranza di Germi. Il filmato extra è
stavolta un altrettanto interessante intervista a Lenzi.
Prima edizione digitale (Cinevox) della colonna per il premiatissimo
Mimì metallurgico ferito nell’onore, che
nel 1972 unì sullo schermo Giancarlo Giannini e Mariangela Melato
e dietro la macchina da presa Lina Wertmuller e Piero Piccioni. Tutti
destinati, due anni dopo, al felice esito collaborativo di Travolti
da un insolito destino nell’azzurro mare d’agosto.
Piccioni è lontano dall’avanguradia jazzistica della sua
prima era cinematografica (e dal languido abbandono swinging
elargito per Sordi) ma il suo sarcasmo popolare non manca di efficacia.
Tra sipari di colore siciliano, caricature esotiche e ampio respiro
pianistico (la bella “Mimì, il lavoro, la fabbrica”),
lo score, come ricorda Claudio Fuiano nelle note di copertina, non sopravvisse
integro al montaggio finale e venne spodestato in più parti dal
repertorio classico e canzonistico. Alla selezione dell’Lp originale
si aggiungono 11 brani inediti in stereofonia. Robusta
e non priva di momenti rilevanti, la relazione artistica tra Ennio Morricone
e Giuliano Montaldo torna all’attenzione con questa ristampa Cinevox
de il Giocattolo (1979). Difficilmente incorniciabile
tra le migliori prove del musicista, la partitura offre comunque degne
rappresentazioni dell’interesse timbrico morriconiano (“Il
giocattolo”) e un ennesimo saggio della predilezione per i ritmici
passaggi del pianoforte in staccato. In “Miraggio e agguato”
si esprime ad esempio un topos stilistico che sarà consacrato
alla memoria collettiva grazie all’inclusione tematica in gli
Intoccabili di De Palma. Destinata a molte delle esperienze
americane anche la fisiologica elaborazione modulare e poliritmica di
“Telefonata minacciosa”. Cinque le tracce integrate al materiale
già edito su etichetta Ciak CD, queste ultime ulteriormente restaurate
nel remastering. |
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