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Highscores Guerra e pace Jan A.P. Kaczmarek (Rai Trade) Era difficile aspettarsi un lavoro di tale levatura per il nuovo adattamento televisivo di Guerra e pace, forse tentanti dal facile preconcetto. Vero è che una serie di costanti da qualche anno definenti i regimi musicali della fiction nostrana lasciavano prevedere una prova nella scontata media. Anche i nomi di calibro non hanno mancato ultimamente di misurarsi con lo sceneggiato televisivo concedendo il minimo dovuto: scampoli di marche stilistiche identificative e molta musica a metraggio. Poi l’incognita Jan A.P. Kaczmarek, che ostaggio dell’invisibilità dopo l’Oscar nel 2004 per Neverland - Un sogno per la vita, contribuiva ad alimentare il sospetto di uno score di servizio, magari vergato in strettezza di tempi e altrettanta mancanza di convinzione. Congetture pretestuose che tali si dimostrano all’ascolto della pubblicazione Rai Trade e si dissolvono all’approcciare di una esito encomiabilmente ricco, strutturato, chiaramente sentito e tutt’altro che sbrigativo. Le modalità sinfoniche vibranti e vivaci alla base del commento per Neverland - Un sogno per la vita fanno anche stavolta da direttive di scrittura, riproponendo l’ampio tocco melodico e la facilità di variazione formale. Anche il tematismo garbato richiama alla grafia limpidamente classicistica caratteristica di Kaczmarek (che si affida alla Polish Radio Orchestra e alla bacchetta di Marcinalecz-Niesiolowski), pur delineando sporadici esempi derivativi, come le battute eroiche di stampo zimmeriano in “Austerlitz” o l’apertura horneriana di “Napoleon is Coming”. L’abbondante selezione discografica rende inoltre giustizia alla rifinitura delle orchestrazioni, altro elemento imprescindibile che contribuisce a fare di questa musicazione una raccomandabile eccezione alla regola (invero molte, quando si tratta di contesti storici e in costume) nel panorama televisivo odierno. Cinecocktail 4 - The Italian Horror Show Autori vari (Beat Records) Proseguendo nella rassegna di antologie d’atmosfera, la Beat Records licenzia il quarto appuntamento con il suo Cinecocktail, altra gustosa full immersion tra estratti di musica da film nazionale. Stavolta il tema è quello dell’horror-thriller, con brani selezionati ad hoc nel catalogo cinemusicale più rappresentativo del filone, corrispondente alla stagione di genere prevalentemente settantesca, orbitante intorno a Lucio Fulci. Accanto alle più note firme della musicazione da brivido (Ennio Morricone per Extrasensorial, una Lucertola con la pelle di donna, l’Anticristo - in coppia con Bruno Nicolai - e il Sorriso del grande tentatore; Fabio Frizzi con Manhattan Baby e l’Aldilà; Stefano Mainetti per Zombi 3; Francesco De Masi con lo Squartatore di New York; Simon Boswell e il suo score per Deliria) la compilation chiama a sfilare anche nomi non proprio familiari al pubblico per le loro esperienze cinematografiche, impegnati in pellicole altrettanto estranee alla filmografia di settore più popolare: Nico Fidenco (Zombi Holocaust), Walter Rizzati (Quella villa accanto al cimitero), Alessandro Blonksteiner (Apocalypse domani), Piero Montanari (la Casa 3 - Ghosthouse) e Carlo Maria Cordio (Raptors). Un’occasione utile, dunque, per avvicinarsi con dovizia nel mestiere della colonna sonora italiana declinata ad uno dei generi nostrani capaci di maggior consenso. Un’indagine che trova poi congeniale integrazione nel riuscito Hanging Shadows - Perspectives on Italian Horror Cinema, il documentario di Paolo Fazzini accluso al cd. Fazzini, servendosi di una fotografia e un montaggio dichiaratamente “aggressivi, sporchi, sfuggenti” ha intervistato il cuore del cinema orrorifico nazionale. Tra i quattordici intervistati, Dario Argento, Lamberto Bava, Michele Soavi, Ruggero Deodato e Sergio Stivaletti si raccontano alternando testimonianze professionali, considerazioni personali e gustosa aneddotica. Confermandosi attento conoscitore dell’opera e dei fasti di una corrente che - come il documentario testimonia - è tutt’altro che estinta, Fazzini confeziona un resoconto stimolante per gli spettatori saltuari e prezioso per gli estimatori della prima ora. On Screen  James Newton Howard è
all’apice della produttività. Non nuovo a periodi di intensa
scrittura, da navigato professionista qual è, nel 2007 ha redatto
sei commenti spazianti dal dramma fantascientifico di Io
sono leggenda (Varèse Sarabande/Audioglobe) alla farsa politica
firmata Mike Nichols de la
Guerra di Charlie Wilson. E nel primo caso ha licenziato il suo
lavoro più convincente della passata annata, approntando la scrittura
delle grandi occasioni (il ricercato e lirico trattamento orchestrale
ultimamente riservato a Shyamalan) sui cui s’incarna un tema evocativo
strutturato sulle entrate progressive dell’orchestra. Una melodia
dell’ampio respiro, che anche nella scrupolosità del posizionamento
ai fini di un’economia drammaturgica tesa all’isolamento realistico
del protagonista (pochi e oculati interventi) ricorda a più riprese
l’opportuna cura del silenzio imposta da Zemeckis e Silvestri al
Tom Hanks naufrago di Cast away. Di
converso Howard e Hanks, per la
Guerra di Charlie Wilson, non fanno scintille. Complice proprio
quella recente prolificità del musicista, che come da copione
miete almeno una vittima tra i numerosi impegni, solitamente sacrificata
alla più solida professionalità. Lo score (Varèse)
è infatti un onesto rincorrersi dei luoghi comuni howardiani,
dalla scrittura asettica filo-newmaniana sorretta da sparse punteggiature
accordali, condimenti folk e collaudate impalcature ritmiche. La grande
aderenza e l’ineccepibile servizio alle immagini che scontano la
latitanza di un contributo più sentito e magari ispirato. Forse
anche per questo l’International Film Music Critics Association
ha inserito l’autore nella rosa dei cinque candidati a miglior
musicista dell’anno preferendogli però Alexandre Desplat.
E Desplat a dire il vero, anche lui reduce da un 2007 denso di impegni,
ha tradito il peso della pronunciata operosità. A farne le principali
spese è stata forse, attesissima come il film, la sua partitura
per la Bussola d’oro, attestante
la già nota grandezza compositiva del francese, ma avara di un’anima
particolarmente incisiva. Meglio lo spartito composto a quattro mani
con il promettente Aaron Zigman per Mr.
Magorium e la bottega delle meraviglie (Varèse), che pur
senza strappare apprezzamenti degni di un caposaldo, propone una composizione
dall’entusiasmo neoclassico di maggior consistenza e inventiva
tematica. Off Screen  Qualche
anno fa c’era stato "Appuntamento con la memoria", a
cura della Cam. Ora ad antologizzare la vasta opera di Armando Trovajoli
ci prova l’altra grande etichetta italiana specializzata, la GDM,
con un cofanetto di ben tre dischi ricapitolanti per tappe fondamentali
una carriera che all’attivo consta di oltre 200 lavori per il cinema,
il teatro e la televisione. Trovajoli è senz’altro tra le
fondamenta storiche della colonna sonora italiana, dotato di quell’indispensabile
duttilità formale che nei compositori cinematografici di razza
si unisce inevitabilmente all’esclusività stilistica. Più
dei popolari colleghi che hanno definito la stagione d’oro della
cinemusicalità nazionale (Morricone e Ortolani senza meno) l’artista
romano si è dimostrato particolarmente sensibile alla sanguigna
tradizione popolare, facendosi cantore riconosciuto e riconoscibile
della romanità più autentica. Dalle sue note per “Roma
nun fà la stupida stasera” di Rugantino (che nell’antologia
apre il cd dedicato al pregevole repertorio teatrale) si ripercorre
un iter di memorie al nitrato d’argento dove è facile perdersi,
con tappe scandite dalle collaborazioni longeve (Magni e Scola), attraverso
pezzi di cinema più o meno memorabili, tra arte e mestiere. Un
viaggio che trova evocativa conclusione in una rassegna delle canzoni
scritte dal novantenne artista e interpretate dalla Loren e da Mastroianni,
da Proietti e Tognazzi. Certamente non definitiva - la mole del catalogo
trovajoliano rende improbabile quanto vana una simile aspirazione -
ma sicuramente appagante, piacevolmente nostalgica e facile ad un ascolto
prolungato che integra senza sovrapposizioni la citata pubblicazione
della Cam. 
E una raccolta riemerge anche dal pregiato catalogo Marco Polo guadagnando
nuova vita nella collana di recuperi della Naxos. La coppia Frank Skinner
e Hans J. Salter, leggendaria per la storia della Universal tanto quanto
il filone monster-movies cui collaborarono copiosamente con score scritti
a quattro mani, viene celebrata con le reincisioni di Morgan e Stromberg.
Monster Music raccoglie le partiture per un terzetto di classici indiscussi
del genere: Son of Frankenstein (Il figlio di Frankenstein,
1939) di cui Skinner si occupò autonomamente, the Invisible
Man Returns (Il ritorno dell’uomo invisibile, 1940) e
the Wolf Man(L’uomo lupo, 1941) - con il contributo
di Charles Previn. Come di consueto, quelle che potrebbero profilarsi
come musicazioni routinarie e ricche di retoriche manipolative (e queste
ultime certo non mancano) si rivelano all’ascolto isolato - ricostruite
tenendo conto delle orchestrazioni originali - tesori sinfonici degni
dell’operetta più evocativa.
Nessuna sorpresa invece per quanto riguarda la colonna musicale di Objective
Burma! (Obiettivo Burma, 1945) di Walsh, che con la sua magistrale
descrittività orchestrale non può trarre in inganno i
conoscitori di Franz Waxman. La composizione, passata alla storia della
musica bellica per il grande schermo, nonostante un trascorso discografico
più che rispettoso merita nuova attenzione in questa interpretazione
dell’Orchestra Sinfonica di Mosca, diretta ancora una volta da
William Stromberg. Il restauro delle parti curato da John Morgan con
filologico piglio ha infatti tenuto conto della strumentazione iniziale
e degli estratti esclusi dal montaggio finale. La consuetudine delle
ricche note di copertina dettaglianti i retroscena del lungometraggio
e dello score aumentano il valore dell’ennesima pubblicazione Naxos
da non mancare.25 fotogrammi  Marco
Frisina si riaffaccia al suo ambito d’eccellenza, la biografia
religiosa, grazie al film tv su Chiara e Francesco
diretto da Fabrizio Costa. Orchestra e coro (con citazioni dal Cantico
delle Creature) sfruttati con tutta la rigorosità della scrittura
liturgica ma anche calati in contesti più intimisti e foschi,
cesellati in interventi solistici di rispettosa costruzione ai fini
della preminenza dialoghistica e congiunti in pagine di collettiva interpretazione
nelle aperture ariose del tema portante. Il dosaggio tra perdizione,
redenzione e sentimento centrale alla sceneggiatura si riflette insomma
in una partitura (Rai Trade) mai eccessiva che sa concedersi alle traboccanti,
fluenti accensioni melodiche protocollari allo scoring per fiction. |
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